Galería Liebre.

El sábado 15 de Noviembre acudimos a una galería que nos había propuesto María Jesús. Buscando en imágenes solo he encontrado estas poquiñas fotos que hice, así que aquí os las dejo.

Tan bello como siempre alvarocamachodejesus.blogspot.com.es

Fotografía de Aitana - aitanarodriguez.blogspot.com.es

Práctica iluminación.

Anteriormente a la clase teórica de iluminación habíamos realizado unas prácticas en el plató, gracias a las cuales aprendimos varios trucos mediante el empleo de luces y sombras. Sin embargo, era imprescindible tener una cámara medianamente buena y un trípode para asegurarse de que la imagen no sufría cambios, de manera que algunos compañeros no pudimos realizar la práctica en ese momento.
Aquí os dejo los resultados de unas pruebas que hice en casa.

Iluminación.

En la clase del viernes estudiamos las luces y la sombras. De forma simbólica, la luz viene ligada a algo sagrado, la vida o la muerte, de ahí que a menudo oigamos la expresion "ir hacia la luz" como sinónimo de morir, o "alumbrar" al nacimiento. 
Podemos distinguir dos tipos de iluminación: la iluminación natural y la artificial.

La iluminación natural es, obviamente, la que no proviene de la creación del hombre, como puede ser la luz solar o la de algunos animales exóticos.
Por el contrario, la luz artificial es aquella que emiten las bombillas, focos, etc. La luz artificial puede ser continua (bombilla) o discontinua (flash).

En cuanto a las sombras, son aquellas zonas que carecen de luz, y son la proyección de un cuerpo. Gracias a la combinación de luz y sombra podemos distinguir la profundidad, el volumen o el relieve de un objeto. 
Tanto exceso de luz como de sombra puede ocultar, de manera que pasaremos a distinguir tres fenómenos: luz, sombra y penumbra, donde la penumbra abarcará luces y sombras y la luz será algo cegador que ilumina desmesuradamente.

A continuación os dejo los autores que hemos estudiado en relación con estos nuevos aprendizajes:

EUGENIO RECUENCO.

FRANCIS BACON.

RAFAEL LOZANO HEMMER. Trabaja con juegos de sombras en instalaciones donde el espectador forma una parte fundamental de la obra.

FABRIZIO CORNELI. A través de pequeños trozos de papel crea, a través de las sombras creadas mediante un foco de luz, resultados impresionantes.

DAN FLAVIN. Artista conceptual que trabaja con fluorescentes.

MAJOTO TOJIKI. Artista que trabaja con las luces de los Leeds.

Color.

En la clase de hoy hemos visto como funcionan los colores unos con otros: colores primarios y secundarios, complementarios y adyacentes. 
Para empezar, María Jesús ha planteado una pregunta: ¿qué es un color? Según sus propias palabras "Un color es un color dependiendo del que tenga al lado". Es decir, un color puede parecer distinto según su entorno. Así, en esta imagen, el cuadrado de arriba parece de un gris mucho más oscuro ya que limita con colores claros y el de abajo más claro al contrastar con tonos más oscuros. Sin embargo, podemos comprobar que se trata del mismo tono de gris.

A continuación, Maria Jesús nos habló de la post-imagen negativa. Se refiere a una imagen que, aunque ya no se encuentra ante nuestra visión, ha quedado retenida en nuestra mente por un estímulo directo de color. Esto quiere decir que, al apartar la mirada sobre una superficie blanca, observaremos esa imagen en colores negativos, es decir, en sus complementarios. 
Así sucede por ejemplo con esta imagen, que a simple vista parece una mancha sin más pero que, al observarla durante unos segundos y parpadear, veremos el rostro de Jesús.

Entre los colores primarios podemos diferenciar entre colores luz (RGB) y colores pigmento (CMYK).

Los colores luz son el rojo, el verde y el azul, y todos juntos tienden al blanco, mientras que los colores pigmento (magenta, cyan y amarillo), tienden a un color oscuro.

Por otra parte, están los colores secundarios, que se obtienen de la mezcla de dos colores pigmento primarios: verde (amarillo+cyan), naranja (magenta+amarillo) y violeta (magenta+cyan).

Los colores complementarios son los secundarios en el que el primario no participa. Es decir, para hallar el complementario del amarillo, debemos pensar cuál de los tres secundarios no contiene amarillo: el violeta. Esto puede observarse más fácilmente en el círculo cromático, donde los complementarios se hallarán en puntos opuestos. 

Así, el complementario del amarillo sería el morado, el del rojo el verde y el del azul el naranja. Se trata de colores que, al estar el uno con el otro, dotan a la imagen de mayor intensidad.

Al contrario, los colores adyacentes son los secundarios en los que sí participa, de manera que cada primario tiene dos adyacentes.

Los adyacentes del amarillo son el verde y el naranja, del azul son el violeta y el verde, y del magenta son el naranja y el violeta.

Para finalizar la clase hemos visto la obra de algunos artistas:

MADEMOISELLE MAURICE. Artista francesa que emplea en sus obas los colores primarios y secundarios a modo de papiroflexia.

FERDINANDO SCIANNA. Artista italiano cuya obra es característica por la ausencia de color. Emplea escalas de grises, blancos y negros.

OUKA LEELE. Artista madrileña que trabaja a partir de fotografías en blanco y negro para emplear los colores complementarios a su gusto, creando un efecto un tanto pop-art.

JAVIER BENEGAS. Artista que emplea armonías de colores primarios.

PALOMA NAVARES. Artista que emplea armonías entre colores complementarios y juegos de luces.

ANÍSH KAPOOR. Artista característico por emplear espejos para la creación de sus obras, experimentando con la forma.

Instalación.

Una instalación es una forma de arte donde, por lo general, se emplea directamente el espacio de la exposición. Por ello, es frecuente que la obra pueda ser transitable por el espectador de manera que pueda interaccionar con ella, ya sea ésta en pequeño o gran formato.
En mi instalación, he querido representar la fuerza y el significado que tiene la música en nuestras vidas. "Es, por excelencia, el lenguaje del sentimiento", el arte que nos mantiene vivos.

La instalación sería representada a tamaño grande y constaría de un corazón "escuchando" a través de un fonendoscopio. En las olivas del aparato, que sería la parte unida al corazón, se escucharía música, y en la campana el latido del corazón. De esta manera, el espectador puede parar y retomar la música y comprobar cómo, cuando no hay melodía, no hay latido.

"La música es el latido que nace del corazón."

Conchita Wurst.

El día 31 realizamos el primer examen de la asignatura, que era tanto práctico como teórico.
Durante las semanas anteriores María Jesús nos había avisado que debíamos llevar ciertos materiales para llevar a cabo la parte práctica: sanguina, metro, pegamento, lapiceros... ya que, en el ejercicio, se nos asignó a cada uno una parte del cuerpo que debíamos representar en el papel con el mayor grado de iconicidad, es decir, lo más realista posible y a tamaño real para que el resultado de la unión de todos los dibujos se pareciese lo mayor posible a alguien real. Sin embargo, el producto de nuestro esfuerzo acabó siendo algo monstruoso afectado claramente por el día de Halloween, a lo que la profesora denominó Conchita Wurst.

En la parte teórica tuvimos que estudiar el resultado final. Es decir, comentar el tipo de imagen que era, el grado de iconicidad, la composición, las texturas... Para aplicar demostrar los conocimientos que habíamos adquirido en clase.

Laura Torrado.

En la clase del 14 de noviembre tuvimos la oportunidad de conocer a Laura Torrado, una artista española que nos contó paso a paso su carrera artística, dándonos a conocer sus motivaciones y obstáculos y el modo en que plantea sus proyectos. Es decir, la construcción de su identidad.
En su discurso, Laura nos presentó su obra, donde, a pesar de la evolución y de los cambios profesionales y personales que vivió, la temática ronda de manera habitual alrededor de la figura de la mujer, tanto en la sociedad como crítica a un machismo que parece no acabar nunca, como en lo personal y lo terrenal, donde la fotógrafa hace alusión a las huellas del tiempo, a las metáforas del cuerpo.

Serie "Hammams", donde Laura pretende romper el estereotipo femenino. En la primera fotografía se muestra a un grupo de hombres con hábitos y posturas femeninas, y en la segunda se ve a cinco mujeres apiladas  en el mostrador de una pescadería como si se tratase de mercancía. Así, Laura Torrado hace una crítica al machismo, desbaratando los estereotipos de género.

Nacida en Madrid, Laura Torrado se formó en la Universidad Complutense de Madrid, obteniendo el título de Bellas Artes y experimentando en diversas ramas del arte hasta descubrir su verdadera motivación: la fotografía. De esta manera, Laura recibió becas para residir en Venecia o estudiar en Nueva York, empezando así a participar en talleres y galerías, donde fue ganando importancia como artista. 
A partir de entonces, realizó diversas series fotográficas donde es frecuente el autorretrato y el empleo en su obra de materiales orgánicos o desechados: telas, resinas, papel, pelo... creando una nueva concepción muy original de la fotografía.

Serie "The insides".

Trabajo con papel "Escalera (la caída)".

Trabajo con papel "La femme déguisée".

Trabajo con tela "Transhumance".